What is the academy?


The ACADEMY FOR THEATER AND DIGITALITY is a model project of the Theater Dortmund for digital innovation, artistic research, technical education and training. Here, fellows together with the Academy’s staff investigate the possibilities of digital technologie for the performing arts: we explore innovative technologies, changing work structures, new narrative forms and discuss what it means to be an artist today at the interface between the performing arts and the latest technologies.

We’d like to research firstly how digital technologies can be applied meaningfully and sensually for the performing arts; secondly how the latter are transformed by, for example, sensors, robotics and actuators, virtual and augmented reality, artificial intelligence etc.; and thirdly how digital technologies can expand the various areas of work in front of, on and behind the stage. 

The ACADEMY FOR THEATER AND DIGITALITY sees itself as a place of innovation, inspiration, discourse, exchange, a place with the courage to try something new and also to fail, for reflection, network building, impulse giving and communication – a place of art! 

The AKADEMIE FÜR THEATER UND DIGITALITY is supported by the Federal state of North Rhine-Westphalia, the Federal Cultural Foundation and the Wilo-Foundation and receives funding from the European Fund for Regional Development (ERDF / EFRE). 





The world as it presents itself to us has become more complex. The number of loose information transmitters reaching into our areas of perception has increased explosively. Whether technology, science or politics: the interrelationships have become more complex and contradictory. The way in which the public sphere is organized, political discourses are conducted, and how we work and live together has changed dramatically over the past twenty years. The digitalization of all areas of life has played a not to be underestimated part in all this. The tools it creates are used by people today as a matter of course. And we are now faced with the epochal task of investigating the numerous new connections between the digital and analog worlds, i. e. digitality: phenomenologically, sociologically, philosophically, technically and – as a core discipline of the Academy – artistically.

How does the theatre react to these changes? With which narrative patterns, experimental set-ups and technological inventions? What know-how do theatre professionals need now? What tools can and must the theatres themselves develop? For which professional fields of the performing arts do we, as technology-oriented artists, have to offer new opportunities for further education? Which are the upcoming new possibilities of narration, catalysed by new technologies? Which social debates can be taken up or even initiated in theatres through the use of digital technologies? What are the issues of post-digital modern age? How can technology – as a tool of production and object of observation – be sensually experienced and discussed in an open artistic space?

(Marcus Lobbes)





PlayOn! launcht Website

Logo Play On – New Storytelling with Immersive Technologies
Today, 19 May, the website https://www.play-on.eu went online – a four-year EU-funded cooperation project between a total of nine international theatres and associated digital laboratories, in which Theater Dortmund with its opera, dance and children’s and youth theatre divisions and the Academy for Theatre and Digitality are involved.

Call started

The next call has started and will cover the research period February 01, 2021 to June 27, 2021. BewerbungOpen Call (English) Bewerbung onlineapply online (English)


Since spring 2019, the newly founded Dortmunder Akademie für_Theater_und_Digitalität has been investigating the possibilities of the performing arts in digital modernity and researching new technologies, working structures, narratives and definitions. Next Level presents the work of this model project for digital innovation, applied research, and artistic-technical education and training. In addition, Next Level offers the first generation … Continued



From 2019 to 2021, a total of 54 five-months-fellowships will be awarded for a residency at an artistic-technical research center, the Academy for Theatre and Digitality. These fellowships are funded by The German Federal Culture Foundation (Kulturstiftung des Bundes).
For the fifth research period (Sep 2021 to January 2022) the call for applications start Aug 31st 2020.

The call for applications is aimed at artists, technicians and post-graduate fellows who have a keen interest in researching artistic-technical relations within digital narratives in theatre spaces, as well as putting those into practice. We are hoping for applicants who want to research and work with digital methods (e.g. Motion Capturing, Coding, VR, AR, Robotics, Computer Sciences, Sound, Film, Interaction Design).
The fellowships are destined to provide theatre artists and technicians with the option to begin their planned research projects, to realize their drafts and to continue or finalize their ongoing projects.




  • Jasmin Grimm (program developer, creative producer)
  • Dinesh Chenchanna (ZDF Mainz)
  • Tina Lorenz (Staatstheater Nürnberg)
  • Prof. Sabine Sachweh (FH Dortmund)
  • Laura Åkerlund (Staatstheater Karlsruhe)
  • Prof. Friedrich Kirschner (HfS Berlin)
  • Hubert Eckart (DTHG)
  • Mario Simon (Media Department)
  • Marcus Lobbes (Artistic Director)
  • Kay Voges (Founding Director)


Amy Stebbins is an American writer-director. Her theater lies at the intersection of performance, opera and new media. She has received commissions from institutions such as the Bavarian State Opera, the Deutsche Oper Berlin, and the Augsburg State Theater. Her artistic training took place at the Berlin Volksbühne where she assisted artists like René Pollesch, Sebastian Baumgarten, and Chris Kondek. Residencies and fellowships include: the  German Chancellor Fellowship (Alexander von Humboldt Foundation), the Akademie Musiktheater heute, and the Fulbright Assocation.

Stebbins has also dedicated significant energy to pushing for institutional reform in new work development in both spoken theater and opera. She has convened multiple Transatlantic exchanges for artists and arts administrators from institutions such as Steppenwolf Theatre Company, The Goodman Theatre, The Münchner Kammerspiele, and the Gärtnerplatztheater. Together with Hauke Berheide she is the co-founder of New Opera Dialogues, an artist-led platform to promote international dialogue about aesthetics and best institutional practices for contemporary opera.

Stebbins holds a Ph.D. in Cinema & Media Studies and Germanic Studies from the University of Chicago, and a B.A. in History and Literature from Harvard University.



Alexander Nham is an interdisciplinary performer and musician with a background in media technology. Together with the performance collective Inner Rise he worked on several theatre plays on Hamburg’s stages of KAMPNAGEL, THALIA THEATER, the FUNDUS THEATER but also found himself in the AGORA THEATER in St. Vith or in front of the camera of Luise Donschen.

During his experiments on ‘Digital Theatre’ he created VisionTale, a large, immersive video installation with escape-room elements, combined with interactive theatre. In February 2019 Alexander Nham joined the artists collective Blutende Freischwimmer*innen under which he worked on virtual reality experiences in the Lichthof Theater and at the SKANDALØS Festival 2019.


As a founding member of theatre label internil, and under his own name, Arne Vogelgesang has been devising theatre & performance projects since 2005. He has been especially interested in new forms of radical political subjectivation online and the narratives and memetic fields they embed themselves into. Arne also makes video art for others, gives talks & workshops on his research topics and occasionally writes texts about them. His Twitter handle is @foyglgezang.


Andrea Winkler’s works oscillate between installation, sculpture and objet trouvé as space-consuming scenarios and reenactments of set pieces from the everyday world. These scenic complexes reflect her interest in the material and the objects of a living world that is marked by an increasing theatricality and stage characteristics, goods fetishism, scenarios of spatial and ideological demarcation, and a security-minded and marketable thinking.

Andrea Winkler (CH/AUT) studied Fine Art Media at the Slade School of Fine Art in London and at the HfbK Hamburg. Her works have been shown in numerous exhibitions in Germany and abroad, such as at the HKW Berlin, KAI 10 | Arthena Foundation, Aargauer Kunsthaus, nbk Berlin, Frankfurter Kunstverein, KM – Halle für Kunst und Medien Graz or Devening Projects Chicago, and have received numerous awards. In 2019 she received the UBS Cultural Foundation’s award for her research on post-digitality and new materialism, and in 2021 she is artist in residence at TaDA, Textile and Design Alliance Ostschweiz.

In recent years, she has increasingly been working on projects in cooperation with the artist Stefan Panhans, with whom she received the Innogy Visit Award in 2019 for the experimental film musical “Defender”, among others, and will participate in the exhibition “Zin Ex – From Abstraction to Algorithm”, Centro Tabakalera, San Sebastian, in 2020. In 2021 she will have a solo exhibition at HMKV Dortmund.



Christiane Hütter/ Frau Hue is a worldbuilder. She explores, questions and (re)invents systems with the means of art, game design and storytelling – using social cooperation. Her works cover a wide range of formats from urban games, fictive organizations, citywide revitalizing festivals and playful settings for urban participation. She studied scriptwriting and holds a diploma in psychology (thesis “Press play for PTSD prevention”) Besides writing a crime series episode “Tatort (Heimatfront, 2011)” about traumatized Afghanistan soldiers and working as lead writer for the interdisciplinary research institute Climate Media Factory she has been designing games since 2010.

Gloria Schulz is a digital artist from Hamburg. She is a founding member of the artist collective “Blutende Freischwimmer*innen”, feels most comfortable in grey windows and, as a visual hacker, explores immersive illusory spaces.

Her Artworks as a creative coder and performing artist is shown throughout various festivals and theatres in Germany and abroad. Weaving in Motion Capture and photogrammetry with live art she created at the Theatre of Research FUNDUS THEATER in Hamburg the transgenerational workshops “Ich, Avatar” and “Wir, Welt”. For the participatory citizen project “Stadttheater” at the LICHTHOF Theater Hamburg she designed and performed the VR theatre piece »Raum im Kopf« and with her collective and young hackers she developed an AI that has learned what happiness is and now shares it with the visitors of the “Digitale Welten” Festival in Frankfurt. Furthermore, she is researching the possibilities of VR for storytelling at the HAW Hamburg: In the research project “MYTH Stories” in cooperation with the California State University in Long Beach about she is opening out opera through VR. Besides her work as a creator, she is also part of this year’s “NODE Forum for Digital Arts” festival in Frankfurt as a creative producer and combines creative coding with artistic practices.

As part of her fellowship at the Academy for Theater and Digitality in Dortmund, she overcomes and extends the singular experience in virtual worlds, both technically and narratively.


Markus Schubert is a hacker, game designer, founder and managing director of Nebelflucht GmbH, initiator of the gaming platform toto.io and co-initiator of the reading platform polyplot.io. He is a graduate computer scientist with over 15 years of experience in IT consulting as a software developer and architect. For many years he has been working on interactive games, participative formats and immersive installations in the independent scene as well as in municipal and state theatres with various groups and artists. These include “Der Spalt” at the Grillo Theater in Essen, “Game Over” at the Staatstheater Saarbrücken, “No Work And All Play” at the Staatstheater Nürnberg and many others.

Stage No More is a Beijing-based art collective founded in 2014. Members come from diversified art background. Our art practice concerns itself with issues of contemporary identities, digital existence, cyberculture, public discourse in the media, as well as our relations to virtuality and reality.

Stefan Panhans unternimmt mit seiner Arbeit mit filmischen, performativen und installativen Mitteln eine künstlerische Auseinandersetzung mit der wachsenden Hypermediatisierung und Digitalisierung sowie ihren Auswirkungen auf unsere Gesellschaft, unser Verhalten, unsere Psyche und Körper und verhandelt Phänomene wie zunehmende soziale Ungleichheit, Alltagsrassismus, Stereotypen und Diversitätsfragen.

Seine Arbeiten werden international bei Ausstellungen und Filmfestivals gezeigt, kürzlich (2017-2020) u.a. Videonale.17 und Videonale.16, Bonn / 35. und 34. Kasseler Dokumentarfilm- und Videofestival / EMAF – Electronic Media Art Festival #33 und #32, Osnabrück / Transmediale 2018, HKW, Berlin / 13. Athens Digital Arts Festival / Addis Video Art Festival, Addis Ababa / Deichtorhallen–Sammlung Falckenberg, Hamburg / MUMOK Cinema, Wien / Goethe-Institut China, Peking.

Er erhielt zahlreiche Auszeichnungen und Preise, z.B. eine Honourable Mention für “HOSTEL”, Videonale.17, 2019, und den Edith Russ Haus Media Art Award 2017.

In 2020 realisierte er mit “HOSTEL”, sein erstes Hörspiel als Adaption seiner gleichnamigen Video Mini-Serie für den NDR/DLF-Kultur. Seit einiger Zeit arbeitet er vermehrt an Projekten in Kooperation mit der Künstlerin Andrea Winkler, mit der er u.a. 2019 den Innogy Visit Award für das Experimental-Film-Musical »Defender« erhielt, 2020 bei der Ausstellung »Zin Ex – From Abstraction to Algorithm«, Centro Tabakalera, San Sebastian teilnimmt, und 2021 eine Solo Ausstellung im HMKV Dortmund haben wird.




Kay Voges ist seit 2010 Intendant des Schauspiel Dortmund und arbeitet seit 1998 als Regisseur für Schauspiel und Oper – z.B. am Schauspiel Dortmund, der Staatsoper Hannover, der Oper Dortmund, dem Schauspiel Frankfurt, am Staatsschauspiel Dresden, an den Staatstheatern Darmstadt und Kassel, am Theater Magdeburg, am Theater Bonn sowie an den Bühnen von Münster und Moers. Wichtige Arbeiten waren Voges’ Theateradaption von Der Meister und Margarita (2012), Einige Nachrichten an das All von Wolfram Lotz, das als multimediale Begegnung zwischen Theater und Film die Spielzeit 2012/2013 im Schauspielhaus eröffnete) und seine Theaterbearbeitung von Vinterbergs Das Fest. Mit der Multimedia-Performance DAS GOLDENE ZEITALTER – 100 Wege dem Schicksal die Show zu stehlen (2013) setze er seine Arbeit an der Schnittstelle von Theater und Film-/Videokunst fort, auch sein gefeiertes Debüt als Opernregisseur mit Tannhäuser oder der Sängerkrieg auf Wartburg (Oper Dortmund, 2013) knüpfte fulminant daran an. Für seine Regiearbeiten wurde Kay Voges mehrfach ausgezeichnet. 2017 wurde seine Inszenierung Die Borderline Prozession zum Berliner Theatertreffen eingeladen. Einige Nachrichten an das All gewann beim NRW-Theatertreffen 2013 den Hauptpreis als „Beste Inszenierung“, der Film zur Inszenierung wurde beim Artodocs International Filmfestival in St. Petersburg mit dem ersten Preis für die beste Regie und beim Sunset Film Festival Los Angeles mit dem zweiten Preis in der Kategorie „Experimental Film“ ausgezeichnet. Voges‘ Arbeiten forschen konsequent an der Schnittstelle von Theater und Digitalität – Anlass für ihn, 2017 die Gründung der Akademie zu initiieren und als Gründungsdirektor zu fungieren.


Marcus Lobbes arbeitet seit 1995 als Regisseur und Ausstatter im Musik- und Sprechtheater. Seine Schwerpunkte sind kompromisslose Klassiker-Umsetzungen sowie zahlreiche Ur- und Erstaufführungen in vielen renommierten Theatern der Republik (Düsseldorfer Schauspielhaus, Theater Freiburg, Nationaltheater Mannheim, die Staatstheater in Kassel, Mainz, Saarbrücken, Darmstadt und Braunschweig, Schauspiel Dortmund, Wuppertaler Bühnen u.v.a.). Neuartige kollektive Arbeitsformen mit den Ensembles und sein enger Kontakt zu zeitgenössischen Autor_innen zeichnen seine künstlerische Handschrift aus. Neben zahlreichen Einladungen und Auszeichnungen hält sein Ansatz auch in der Nachwuchs-Ausbildung Einzug: So wurde er in der jüngsten Zeit als Gastdozent und Redner an die Akademie für Darstellende Kunst in Ludwigsburg, das Salzburger Mozarteum, die Universität Rostock, die Hochschule Mainz, die Kunstuniversität Graz und die Robert Schumann Musikhochschule in Düsseldorf eingeladen.


Michael Eickhoff studierte Geschichtswissenschaft, Germanistik, Romanistik und Philosophie in Bielefeld und Paris. Während seines Studiums arbeitete er u.a. am Deutschen Literaturarchiv Marbach, am Institut Mémoires de l‘Édition Contemporaine in Paris sowie an der Universität Bielefeld (Fakultät für Linguistik und Literaturwissenschaft und Fakultät für Geschichtswissenschaft). Seine Arbeit am Theater begann er am Theater Bielefeld, noch als Regieassistent, später als Produktionsleiter. Der Wechsel in die Dramaturgie führte ihn für kurze Zeit an das Berliner Ensemble, gastweise an das Staatstheater Wiesbaden und von 2003 bis 2009 an das Theater Bonn, wo er mit zahlreichen Regisseuren Inszenierungen, Projekte, Szenische Lesungen etc. realisierte. Seit der Spielzeit 2010/11 ist Michael Eickhoff Chefdramaturg am Schauspiel Dortmund.


Veronika Ortmayr studierte Philosophie, Germanistik, Kulturwissenschaften und Medienkulturanalyse. Danach arbeitete sie als freie Journalistin und Autorin im Bereich Kultur, bis sie 2014 als Referentin der Intendanz ans Düsseldorfer Schauspielhaus wechselte. Bereits seit Ende der 1990er Jahre beschäftigt sie sich mit Künstlicher Intelligenz und neuen Technologien, als IT- Managerin arbeitete sie vor dem Masterstudium mehrere Jahre für Siemens SBS. Besonders interessieren sie Genderaspekte von Menschmaschinen und die Kulturgeschichte der Digitalität. Seit Anfang 2019 gehört sie als Referentin der künstlerischen Leitung zum Team der Akademie. Ortmayr stammt aus der Nähe von Wien und lebt in Düsseldorf.


Der gebürtige Karl-Marx-Städter studierte an der Hochschule für Schauspielkunst Ernst Busch Berlin, Institut für Schauspielregie. Neben seiner Regiearbeit und leitenden Positionen an Theatern der alten und neuen Bundesländer (Augsburg, Oldenburg, Altenburg/Gera) entwickelte er die Onlineportale für den ZDF.theaterkanal und www.theatertexte.de. Von 2007 bis 2014 baute er die Akademie für Darstellende Kunst Baden-Württemberg mit Sitz in Ludwigsburg mit auf, zuletzt als Studiengangskoordinator Regie, danach war er von 2016 bis Frühjahr 2019 Leiter des KBB / Künstlerischer Produktionsleiter am Volkstheater Rostock.

Mario Simon studierte nach dem Abitur Germanistik, Literatur- und Kulturwissenschaften, Film- und Medienwissenschaften sowie Philosophie an der Universität Bonn, der TU Dortmund und in Hagen. In Bonn arbeitete er von 2010-2011 im Forschungsprojekt „Mediatisierte Welten“ – Deliberation im Netz: Formen und Funktion des digitalen Diskurses am Beispiel des Microblogging-Systems Twitter“ der Deutschen Forschungsgemeinschaft. Für das Schauspiel Dortmund arbeitete Mario Simon erstmals bei Einige Nachrichten an das All (Regie: Kay Voges, Beste Inszenierung NRW Theatertreffen 2013, 2. Platz Experimental Film Sunset Filmfestival Los Angeles). Seit 2013 ist er fest im Ensemble, seit 2014 als Videokünstler und Leiter der Videoabteilung. In dieser Funktion arbeitete er mit Kay Voges (u.a. Die Borderline Prozession und Die Parallelwelt), Claudia Bauer, Jörg Buttgereit und Klaus Gehre: Minority Report – der Live-Film sowie mit dem Regiekollektiv sputnic am ersten Live-Animationsfilm der Welt: Die Möglichkeit einer Insel und Marcus Lobbes bei Ich, Europa. 2017 wurde Mario Simon mit dem Nachwuchsförderpreis des Landes NRW ausgezeichnet.

Lucas Pleß, geboren im Orwell‘schen 1984, arbeitet als Software Developer an verschiedenen Kreativprojekten. Das Studium der Technischen Informatik prägt auch seine Freizeit, in der er sich mit Schaltungsbau, Lasern und blinkenden Gadgets beschäftigt. Als Ausgleich zum Computerleben ist er leidenschaftlicher Mountainbiker und Kletterer. 2013 entwickelte Lucas Pleß für Der Live-Code: Krieg und Frieden im globalen Dorf (Regie: Daniel Hengst) diverse Schnittstellen zwischen Mensch und Maschine, diese Arbeit führt er beim Projekt Bioadapter mit Daniel Hengst (auf dem Schauspiel Dortmund-Festival CYBERLEIBER 2013 – Letzte Dramen zwischen Mensch und Maschine) und zuletzt bei 4.48 Psychose von Sarah Kane (Regie: Kay Voges) fort.


Der gebürtige Dortmunder Philipp Kramer ist seit früher Kindheit begeisterter Bastler. Das Interesse an Automatisierung in Hard- und Software vertiefte er in einem Studium der Angewandten Informatik mit dem Schwerpunkt Robotik an der Technischen Universität Dortmund. Zur Unterstützung in den Themen Technik und Digitalität ist er seit 2019 an der Akademie tätig.